jueves, 11 de septiembre de 2014
Iconos Medievales : Nuestra querida Pacatula
martes, 20 de mayo de 2014
martes, 27 de noviembre de 2012
Forma Trío Sonata
La sonata a trío es una forma musical que fue particularmente popular durante los Siglos XVII y XVIII.
Una sonata a trío está escrita para dos instrumentos melódicos solistas y bajo continuo, haciendo las tres partes un todo, de el nombre trio sonata. Sin embargo, debido a que el bajo continuo consta habitualmente de al menos dos instrumentos (usualmente un chelo o viola da gamba y un instrumento de teclado como el clavecín), las sonatas a trío son interpretadas generalmente por al menos cuatro músicos. Las trío sonatas de Arcangelo Corelli son un destacado ejemplo.
Una sonata a trío está escrita para dos instrumentos melódicos solistas y bajo continuo, haciendo las tres partes un todo, de el nombre trio sonata. Sin embargo, debido a que el bajo continuo consta habitualmente de al menos dos instrumentos (usualmente un chelo o viola da gamba y un instrumento de teclado como el clavecín), las sonatas a trío son interpretadas generalmente por al menos cuatro músicos. Las trío sonatas de Arcangelo Corelli son un destacado ejemplo.
domingo, 21 de octubre de 2012
BUBBLEGUM
MUSICA CHICLE.
BUBBLEGUM
Los
más genuínos representantes fueron Ohio Express y 1910 Fruigtum Company. Otros
conjuntos, prefabricados, fueron The Archies y The Monkees, que produjeron
canciones como "Simon Says", "Sugar, sugar"
y "I'm a Believer".
Los Archies fueron una banda ficticia de bubblegum pop, respaldada por músicos reales de estudio, integrada por los personajes Archie Gómez, Carlos Marín y Torombolo (en la versión en español), un grupo de personajes adolescentes ficticios del universo cómic "Archie", en el contexto de la serie animada de televisión "El Show de Archie y sus amigos".
Los Archies fueron el antecedente de bandas de ficción como Gorillaz o La Casa Azul, que muestran dibujos animados interpretando temas musicales.
JÓVENES COLEGIALES 58-60
forma de baile era una forma de vida, por lo que intentó lanzar al mercado otros bailes que compitieran con él: el jerk, el mashpotatoes, el madison, el locomotion, la yenka, el twist...
Hoy sólo merece la pena citar el twist gracias a Chubby Chekker que interpretó en 1960 un tema titulado "The Twist".
Un segundo frente de ataque de las discográficas se
dirigió a buscar nuevos ídolos juveniles, iniciando una etapa reflejada en películas
como "Grease" o "American Graffitti", conocida musicalmente
como "hig school" o "teen idols". Hacia el final de la
segunda oleada del rock volvieron a aparecer con el nombre de "música
clicle".
Las dos figuras principales son el canadiense Paul Anka con su "Diana" y Neil Sedaka que triunfó con "Oh, Carol", canción inspirada en su novia Carole King.
Las dos figuras principales son el canadiense Paul Anka con su "Diana" y Neil Sedaka que triunfó con "Oh, Carol", canción inspirada en su novia Carole King.
martes, 16 de octubre de 2012
05 Rock and Roll Blanco
El origen afroamericano del rock and roll cuenta con músicos fundamentales como Fats Domino, Chuck Berry, Little Richard, Bo Diddley y Muddy Waters, pero no fue hasta el ingreso al género de músicos blancos, como Bill Haley y Elvis Presley, que los medios de difusión y el público blanco estadounidense comenzó a aceptarlo masivamente, obteniendo los primeros éxitos hasta dominar el mercado. Estados Unidos por entonces era un país marcado por el racismo.
Los años 1954 y 1955 fueron especialmente importantes para la generalización del rock and roll conformándose como nuevo género musical Ese año Bill Haley grabó Rock Around The Clock que se volvería al año siguiente en el primer éxito masivo estadounidense y mundial del rock and roll, tras haber sido incluido como escena inicial de la película "Semilla de maldad" (Blackboard Jungle).
Simultáneamente Elvis Presley grababa su primera canción That's All Right (Mama).
Escuchar Version original
04 Rock and Roll Negro
Little Richard
Rock al estilo de Nueva Orleáns
Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música.
Chuck Berry
Rock al estilo rhythm and el rhythm and blues modificado que se hacía en Chicago.
Es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Bobby Troup, "Johnny B. Goode" y "Maybellene".
Rock al estilo de Nueva Orleáns
Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música.
Chuck Berry
Rock al estilo rhythm and el rhythm and blues modificado que se hacía en Chicago.
Es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Bobby Troup, "Johnny B. Goode" y "Maybellene".
03 DOO WOP
El Doo wop, es un estilo vocal de música nacido de la unión de los géneros rhythm and blues y gospel. Se desarrolló en comunidades afroamericanas de los Estados Unidos durante los años 40 y alcanzó su mayor popularidad entre los 50 y los 60. Surgió de las calles de ciudades industriales del noroeste de la región medioeste de este país: Nueva York, Filadelfia, Chicago, Baltimore y Pittsburgh, en donde los muchachos se reunían llevando a cabo interpretaciones. En un principio, fue un estilo musical que estaba dirigido a una audiencia principalmente adulta y afroamericana, para posteriormente extenderse a un mercado adolescente y multirracial.
En 1952 y 1953, el "rock and roll" se estaba caracterizando cada vez más por dulces baladas de amor de grupos vocales adolescentes con nombre de pájaro, como Crows, Ravens, Orioles, Cardinals... Normalmente, las caras B de dichos discos eran temas rápidos para el baile, que fueron llamados "rockers".
The Platers grupo musical estadounidense de rhythm and blues y Doo wop compuesto por cinco cantantes (cuatro hombres y una mujer).
02 ROCKABILLY
El rockabilly es uno de los primeros subgéneros del rock and roll. Se origina en la década de 1950.
El término es la contracción de las palabras rock y hillbilly, referente éste a una variedad ruda de country conocida como hillbilly music en la década de 1940-50 que contribuyó enormemente al desarrollo de su estilo. Otras influencias del rockabilly incluyen el western swing, el rhythm & blues, el boogie woogie, y la música folk de los Apalaches. Aunque existen excepciones, su origen descansa en la región sur de los Estados Unidos.
El término es la contracción de las palabras rock y hillbilly, referente éste a una variedad ruda de country conocida como hillbilly music en la década de 1940-50 que contribuyó enormemente al desarrollo de su estilo. Otras influencias del rockabilly incluyen el western swing, el rhythm & blues, el boogie woogie, y la música folk de los Apalaches. Aunque existen excepciones, su origen descansa en la región sur de los Estados Unidos.
01 LOS ORIGENES DEL ROCK AND ROLL
El rhythm and blues de Fast Domino y el hilbylli de Hank Williams confluirían en un intérprete excepcional: Bill Haley & The Comets. Su canción "Rock around the clock" (1954) sería el comienzo oficial del rock and roll, nombre con el que bautizó a esta música el disc-jokey de Cleveland Alan Freed.
Como precedentes tendríamos al "The Fat Man" (1948) de Fast Domino y "Lawdy miss Clawdy" (1952) de Lloyd Price.
Esta música representaba a los jóvenes disconformes con la sociedad americana. Los combatientes negros de la II Guerra Mundial, que habían luchado codo a codo con los soldados blancos, se encontraron a su regreso con un rechazo racial; al mismo tiempo, los soldados blancos no encontraban trabajo a su regreso. Por lo tanto, ambos bandos no podían participar del mundo feliz que les machacaban sin cesar las canciones en los medios de comunicación, con temas dulces y románticos interpretados por "crooners" como Frank Sinatra, Perry Como, Cloney & Crosby... Los negros se refugiaron en su música rítmica llamada rhytm and blues y los blancos en las melodías del country.
La música campesina americana, llamada country, nace de la balada británica y de las jigas irlandesas. En las plantaciones de algodón de Mississipi los ritmos africanos, adaptados a las faenas del trabajo y a las manifestaciones religiosas, serían el origen del blues, una música sin ritmo, aspecto que cambiaría después de la liberación de los esclavos y el éxodo de los negros hacia las grandes ciudades, en las que se ven obligados a adaptarse a un ritmo de vida más frenético, lejos del bucolismo y la tristeza y añoranza de su origen africano. Este fenómeno, junto con la aparición de la guitarra eléctrica, transformaran el blues en un estílo más rítmico en los ghettos negros de Chicago, dando origen al rhythm and blues padre rítmico del rock and roll. Entre otros, uno de sus creadores, en 1949 fué Mudy Waters.
Por otra parte, Hank Williams y Jimmie Rodgers serían los padres del country moderno, un estilo melódico que impregnó al rock and roll con sus melodías cursis, las cuales se disimulaban bastante bien, gracias al ritmo que les imprimía el rhythm and blues.
Las primeras grabaciones de rock and roll consistían de canciones R&B como "Rocket 88" de Ike Turner y "Shake, Rattle and Roll" de Big Joe Turner, haciendo aparición en las listas de música popular y en las de R&B.
miércoles, 23 de noviembre de 2011
Sinfonía Romántica
Los románticos no querían imponer límites a su imaginación y, por ello, no se contentaron con una sola forma de expresión. Así como el piano sirvió como vehículo de emociones íntimas y apasionadas, la orquesta les resultó muy útil para pintar de forma grandiosa otros estados de ánimo. Durante el siglo XVIII había quedado claramente establecida la composición de la orquesta: secciones de cuerda, viento madera y viento metal. En el XIX se refuerza con un número mayor de instrumentos y con un grupo estable de percusión, y a veces también se le añade un coro. Los instrumentos se perfeccionan, las orquestas son cada vez mejores y los compositores pueden solicitarles la interpretación de música más difícil. En el clasicismo se dio la sinfonía con esquema de sonata en cuatro tiempos expresamente para orquesta. Siguiendo más o menos este esquema establecido, los clásicos compusieron una gran cantidad de ellas: Haydn escribió 108 sinfonías; Mozart, 41; Boccherini, 30; Johann Christian Bach, 90… La sinfonía romántica es más grandiosa y está construida con una forma más libre. Si una pieza pianística puede compararse con el poema de un escritor, la sinfonía se podría equiparar con una novela. Schumann y Brahms compusieron cuatro sinfonías; Mendelssohn, cinco; Schubert, ocho; Bruckner y Beethoven, nueve, Mahler, diez.
Fuente
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Sinfonía Clásica
El precursor directo de la moderna sinfonía fue la obertura de la ópera italiana de principios del siglo XVIII. Esta forma, llamada “sinfonía” en italiano, constaba de tres movimientos separados, siempre en el orden rápido-lento-rápido. Hacia mediados del siglo, varios compositores empezaron a escribir sinfonías más elaboradas, ya no destinadas a la sala de teatro, sino para su interpretación en concierto. Estas fueron las primeras “sinfonías”, en el sentido actual del término, y si bien muchas de ellas estaban formadas por los tres movimientos tradicionales, en ocasiones los compositores expandían la forma para incluir cuatro movimientos.
jueves, 22 de septiembre de 2011
Canto Nuevo
El movimiento conocido como Canto Nuevo se
desarrolló en Chile en tiempos de dictadura, desde finales de la década del
setenta. Fue en gran parte, heredero de la Nueva Canción al incorporar muchos de
sus intérpretes y repertorio; al tener a la peña, ahora casi en la
clandestinidad, como principal espacio de desarrollo; al asumir una postura
política de denuncia social vinculada al espectro político de la izquierda,
claramente opositora al gobierno del general Pinochet; y al continuar con la
investigación e innovación en el desarrollo de los ritmos chilenos y
latinoamericanos.
Con figuras que provenían de la Nueva Canción, como Osvaldo Torres (fundador del grupo Illapu), Payo Grondona o Nano Acevedo, al movimiento se fueron incorporando músicos jóvenes, muchos de origen universitario, con propuestas musicales donde incorporaban el jazz, el bossa nova o el rock. Conjuntos como Santiago del Nuevo Extremo, Abril, Aquelarre, Ortiga o el dúo proveniente de Valdivia, Shwenke y Nilo; formaban un conglomerado con solistas como Eduardo Peralta, Hugo Moraga, Isabel Aldunate, Cristina González, Juan Carlos Pérez y muchos más. Con una lírica algo hermética, vinculada principalmente al espacio urbano, sus sonidos se podían escuchar en el Café del Cerro, el Café Ulm, el Rincón de Azócar, recintos universitarios, dependencias de la iglesia católica y sedes de organizaciones poblacionales.
A pesar de que los medios de comunicación de masas estaban controlados por el sistema autoritario del gobierno imperante, el Canto Nuevo logró crear algunos espacios marginales desde algunos de ellos. Fue así como los programas Nuestro canto, de radio Chilena conducido por Miguel Davagnino, y Hecho en Chile, de radio Galaxia conducido por Sergio Pirincho Cárcamo, fueron las principales plataformas radiales desde las que se escuchaban sus canciones.
En términos de la industria musical, el sello que acogió al movimiento fue Alerce, creado y dirigido por el prestigioso hombre de radio Ricardo García. Fue ese sello grabador el que editó la mayor parte de aquella música en el tiempo. De hecho, el año 1978 se produjo el disco larga duración Canto Nuevo, que se transformó prácticamente en el bautizo del movimiento. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea y el diseño gráfico de la carátula en manos de Vicente Larrea, ambos protagonistas en el desarrollo de la anterior Nueva Canción Chilena. Entre los intérpretes se contaba los grupos Aquelarre, Ortiga, Aymara y Wampara y los solistas Nano Acevedo, Capri y Eduardo Yáñez.
El Canto Nuevo fue desapareciendo a medida que avanzaba la década del ochenta, para transformarse finalmente en parte importante de la historia de la música popular chilena en tiempos de dictadura.
Con figuras que provenían de la Nueva Canción, como Osvaldo Torres (fundador del grupo Illapu), Payo Grondona o Nano Acevedo, al movimiento se fueron incorporando músicos jóvenes, muchos de origen universitario, con propuestas musicales donde incorporaban el jazz, el bossa nova o el rock. Conjuntos como Santiago del Nuevo Extremo, Abril, Aquelarre, Ortiga o el dúo proveniente de Valdivia, Shwenke y Nilo; formaban un conglomerado con solistas como Eduardo Peralta, Hugo Moraga, Isabel Aldunate, Cristina González, Juan Carlos Pérez y muchos más. Con una lírica algo hermética, vinculada principalmente al espacio urbano, sus sonidos se podían escuchar en el Café del Cerro, el Café Ulm, el Rincón de Azócar, recintos universitarios, dependencias de la iglesia católica y sedes de organizaciones poblacionales.
A pesar de que los medios de comunicación de masas estaban controlados por el sistema autoritario del gobierno imperante, el Canto Nuevo logró crear algunos espacios marginales desde algunos de ellos. Fue así como los programas Nuestro canto, de radio Chilena conducido por Miguel Davagnino, y Hecho en Chile, de radio Galaxia conducido por Sergio Pirincho Cárcamo, fueron las principales plataformas radiales desde las que se escuchaban sus canciones.
En términos de la industria musical, el sello que acogió al movimiento fue Alerce, creado y dirigido por el prestigioso hombre de radio Ricardo García. Fue ese sello grabador el que editó la mayor parte de aquella música en el tiempo. De hecho, el año 1978 se produjo el disco larga duración Canto Nuevo, que se transformó prácticamente en el bautizo del movimiento. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea y el diseño gráfico de la carátula en manos de Vicente Larrea, ambos protagonistas en el desarrollo de la anterior Nueva Canción Chilena. Entre los intérpretes se contaba los grupos Aquelarre, Ortiga, Aymara y Wampara y los solistas Nano Acevedo, Capri y Eduardo Yáñez.
El Canto Nuevo fue desapareciendo a medida que avanzaba la década del ochenta, para transformarse finalmente en parte importante de la historia de la música popular chilena en tiempos de dictadura.
http://www.memoriachilena.cl/temas/dest.asp?id=nuevacancioncanto
Ver tambien:
http://www.memoriachilena.cl/archivos2/pdfs/MC0019316.pdf
Ver tambien:
http://www.memoriachilena.cl/archivos2/pdfs/MC0019316.pdf
viernes, 3 de junio de 2011
Concierto Romántico
La segunda forma de importancia en el Romanticismo después de la Sinfonía es el concierto, que deriva del clásico en su aspecto más general. Los tiempos son, cono en la sonata, tres, y responden al esquema general de rápido-lento-rápido. Los compositores suelen emplear una tonalidad diferente en el segundo movimiento, que expresa de un modo más lírico y reposado, la individualidad del instrumento.
En los conciertos románticos, se encuentra en el primer tiempo, la estructura de la forma sonata, aunque ésta puede tener muchas variaciones: desde una exposición simple, a una doble exposición, un juego combinatorio de temas, etc. Es en esta característica donde se encuentran las grandes innovaciones del Romanticismo, en lo que se refiere a la libertad formal.
En los conciertos románticos, se encuentra en el primer tiempo, la estructura de la forma sonata, aunque ésta puede tener muchas variaciones: desde una exposición simple, a una doble exposición, un juego combinatorio de temas, etc. Es en esta característica donde se encuentran las grandes innovaciones del Romanticismo, en lo que se refiere a la libertad formal.
jueves, 2 de junio de 2011
Concierto Clásico
CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:
Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta.
Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos (violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento,mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores.
Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.
Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta.
Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos (violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento,mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores.
Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.
El concierto Barroco
EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:
Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los "Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista.
Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los "Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista.
martes, 31 de mayo de 2011
Sonata Clásica
Sonata: Obra instrumental, normalmente para solista (principalmente el piano) que costa por lo general de 3 movimientos. 1- Allegro, que corresponde a Forma de Sonata. 2- Minueto o Scherzo 3- Presto: forma sonata o Rondo. Aunque aparece desde el barroco sobre todo con Scarlatti, alcanza su forma clásica con Haydn y Mozart. Esta misma forma suele ser utilizada en la música de cámara. En ocasiones podemos encontrar sonatas de 4 movimientos, incluso se dan casos de 2 y 1 movimientos, por ejemplo en obras tempranas de Beethoven.
W.A. Mozart, Sonata "Facile" para Piano - I. Allegro
Sonata Barroca
Definición, origen y evolución
La palabra viene del latín "sonanta" que significa: música para ser sonada. Tanto suena que la sota de la copa suena.
En su origen puede encontrarse cualquier forma compuesta por dos temas. Pero lo más importante es la capacidad del compositor en el desarrollo de esos temas y su vuelta a exponerlos en una recapitulación.
“La Sonata en el barroco”:
En el Barroco se van a dar tres tipos de sonatas características:
• Sonata a sólo. Para un único instrumento.
• Sonata a dúo: Para dos instrumentos como el violín y bajo continuo.
• Sonata a Trío: Para tres instrumentos como la flauta, el violín y el bajo continuo.
Nota: El bajo continuo podía estar confiado a uno o mas instrumentos. (clavecín, laúd, viola baja)
A principios del siglo XVIII, se impone un nuevo estilo denominado: Style Galant (“buen gusto”). En esta época se impondrán las Sonatas a sólo.
Domenico Scarlatti. Compositor modelo de Sonatas barrocas
Scarlatti elabora un tipo de forma sonata, distinta a la que se dará en el clasicismo. Esta forma está basada en dos temas, bipartita, de tal manera que el primero está en una tonalidad y el segundo en otra. El enlace entre uno y otro se produce en el final del primero, ya que cadencia en la tonalidad del segundo. Esto será el principio de la gran Sonata clásica
Características de la Sonata y sus partes
La sonata barroca consta de un solo movimiento bipartito, con dos temas, que normalmente se repiten.
Tema A
Un tema atractivo e interesante. Esta melodía estará en una tonalidad que llamaremos principal.
Tema B
Otro en una tonalidad distinta. Este tema será contrastante al primero, el negativo del positivo.
Temas A y B
Material de apoyo:
http://katalinszekely.blogspot.es/img/BarrcoSonata.pdf
http://www.orfeoed.com/claves/claves04.asp
La palabra viene del latín "sonanta" que significa: música para ser sonada. Tanto suena que la sota de la copa suena.
En su origen puede encontrarse cualquier forma compuesta por dos temas. Pero lo más importante es la capacidad del compositor en el desarrollo de esos temas y su vuelta a exponerlos en una recapitulación.
“La Sonata en el barroco”:
En el Barroco se van a dar tres tipos de sonatas características:
• Sonata a sólo. Para un único instrumento.
• Sonata a dúo: Para dos instrumentos como el violín y bajo continuo.
• Sonata a Trío: Para tres instrumentos como la flauta, el violín y el bajo continuo.
Nota: El bajo continuo podía estar confiado a uno o mas instrumentos. (clavecín, laúd, viola baja)
A principios del siglo XVIII, se impone un nuevo estilo denominado: Style Galant (“buen gusto”). En esta época se impondrán las Sonatas a sólo.
Domenico Scarlatti. Compositor modelo de Sonatas barrocas
Scarlatti elabora un tipo de forma sonata, distinta a la que se dará en el clasicismo. Esta forma está basada en dos temas, bipartita, de tal manera que el primero está en una tonalidad y el segundo en otra. El enlace entre uno y otro se produce en el final del primero, ya que cadencia en la tonalidad del segundo. Esto será el principio de la gran Sonata clásica
Características de la Sonata y sus partes
La sonata barroca consta de un solo movimiento bipartito, con dos temas, que normalmente se repiten.
Tema A
Un tema atractivo e interesante. Esta melodía estará en una tonalidad que llamaremos principal.
Tema B
Otro en una tonalidad distinta. Este tema será contrastante al primero, el negativo del positivo.
Temas A y B
Material de apoyo:
http://katalinszekely.blogspot.es/img/BarrcoSonata.pdf
http://www.orfeoed.com/claves/claves04.asp
jueves, 5 de mayo de 2011
Proyección Folklórica
A pesar de la exaltación oficial de la "música típica" ocurrida desde 1973, ésta no pudo desenvolverse como lo había hecho hasta entonces. La pérdida de la noche bohemia causada por el prolongado toque de queda impuesto en el país, sumado al desmantelamiento de la industria discográfica nacional, dejaba a los "músicos típicos" sin sus habituales fuentes de trabajo.
El folclore chileno buscó entonces nuevos escenarios para su masificación y los encontró en los festivales de raíz folclórica, que se multiplicaron en Chile desde fines de la decada de 1970. Estos festivales celebrados durante el tiempo de cosecha, al igual que el carnaval andino, fueron adquiriendo los nombres de la fruta del verano.
Los festivales veraniegos y los vinculados a la recolección y proyección folclórica, como el de la ciudad de San Bernardo, otorgaron el marco necesario para el desarrollo de espectáculos de raíz folclórica, difundiendo masivamente música, danzas y costumbres vigentes y extinguidas de las diversas etnias y regiones del país.
Este tipo de espectáculos tienen una tradición en Chile que se extiende a lo largo del siglo XX. Saínetes y romances camperos, mosaicos criollos y obras costumbristas eran presentados durante la década de 1930 por compañías de espectáculos criollos como las de Francisco Mieres y el Chilote Campos.
A mediados de los años cincuenta, se fundaron los conjuntos de proyección folclórica Cuncumén, con Rolando Alarcón, y Millaray, con Gabriela Pizarro. A comienzos de la década de 1970 Ovidio Luza, Los de La Trilla y Los Gracos realizaban espectáculos de proyección folclórica en el país.
"El Hachero", Conjunto Millaray.
La música de proyección folclórica ha permitido que el folclore de todo Chile sea conocido masivamente mediante espectáculos coreográfico-teatrales presentados en restaurantes, festivales y televisión.
Esto ha sido posible gracias a la labor de rescate, recolección, y reconstrucción folclórica realizada por intérpretes, folcloristas y profesores. Entre los folcloristas se han destacado Violeta Parra, Margot Loyola, Lautaro Manquilef, Gabriela Pizarro, Héctor Pavez, Osvaldo Jaque y Patricia Chavarría.
El interés de los investigadores por trasmitir la autenticidad propia del folclore, no siempre coincide con el deseo de los directores artísticos de adecuarse a los requerimientos del mundo del espectáculo. De este modo, junto a la reducción temporal y a la pérdida del contexto social y funcionalidad que sufre el folclore al subir al escenario, se ha acentuado en muchos casos la estilización de la música, la coreografía y el vestuario, transformando las manifestaciones de proyección folclórica en un espectáculo de masas.
La recuperación de la noche bohemia santíaguina, ocurrida a comienzos de los años ochenta, llevó este tipo de espectáculos a instalarse en los restaurantes turísticos del país, comercializando el sentido didáctico, nacional e histórico de la proyección folclórica.
Extractado del articulo musica poplar Chilena (Juan Pablo Gonzalez) ubicado en el sitio Folklore y cultura chilena
Visitar wwww.patriciachavarria.cl
Nueva Canción Chilena
Suele definirse a la Nueva Canción Chilena por su variante política, y por cómo convirtió al canto en un instrumento de reflexión y acelerador de cambios sociales. Pero este movimiento musical ofrece claves únicas en la historia del arte popular: en los últimos años de la década de los '60, abrió a nuestra canción a las influencias sonoras latinoamericanas, asumió como un deber los aires de cambio de la época, tendió un puente creativo entre la raíz folclórica y otros géneros (sobre todo, el Neofolklore, la trova y el rock), y concibió su propuesta como una expresión amplia, que incluyó vistosos avances en su trabajo escénico y en la gráfica de sus álbumes. Su arco más interesante es el que va desde 1967 (año de la muerte de Violeta Parra, su principal inspiradora) a los primeros tiempos del gobierno de la Unidad Popular. El golpe de Estado fue un impacto definitivo para sus más importantes figuras, la mayoría de las cuales debió exiliarse; no pocas después de presidio y tortura. El asesinato de Víctor Jara, en septiembre de 1973, convirtió su nombre en un símbolo y, a su legado musical, en el acervo internacionalmente más difundido del movimiento.
Fuente: www.musicapopular.cl
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Algunos de los artistas que formaron parte de este proceso fueron Víctor Jara, Violeta Parra, Isabel Parra, Ángel Parra, Osvaldo 'Gitano' Rodríguez, Patricio Manns, Quilapayún, Inti Illimani, Illapu y Cuncumén entre otros. En la difusión del movimiento fue crucial la participación del hombre de radio y gestor cultural Ricardo García.
Estos músicos e investigadores intentaron recuperar la música folclórica tradicional chilena y fusionarla con los ritmos latinoamericanos, además de explorar líricas de contenido social. El fenómeno sociomusical tiene su origen en el trabajo de Violeta Parra y luego en sus hijos Angel e Isabel. Esos hermanos abren a mediados de los años 1960 el lugar donde se desarrollará el epicentro musical del movimiento, la Peña de los Parra, en Carmen 340 en la ciudad de Santiago. La casona albergaba a quienes querían escuchar música folclórica y conocerían la evolución artística de figuras como Isabel Parra y Ángel Parra, Patricio Manns, Rolando Alarcón y Víctor Jara.
Los frutos de la peña se conocerán en 1965 cuando la canción de Patricio Manns, Arriba en la cordillera, se empina en los primeros lugares de popularidad, así como los temas de Rolando Alarcón que son ampliamente difundidos y reproducidos por terceros.
En 1968, se crea la Discoteca del Cantar Popular (DICAP) perteneciente a las Juventudes Comunistas de Chile para publicar a los artistas que no tenían espacio en los sellos multinacionales por sus temáticas contestatarias y anticapitalistas. La primera placa publicada fue Por Vietnam de Quilapayún. En julio de 1969 la Universidad Católica de Chile organizó el Primer Festival de la Nueva Canción Chilena, en la que Víctor Jara y Richard Rojas empatan el primer lugar con la canción Plegaria a un Labrador y la chilenera ,de Rojas.
Después, del golpe de 1973, Ricardo García funda el Sello Alerce en 1975, como una forma de reeditar la Nueva Canción Chilena, que en dicho momento esta prohibida o autocensurada de su emisión en las radios, así como una forma de rescatar las grabaciones originales de su destrucción.
Fuente: Wikipedia
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